Creo que puedes coincidir conmigo en que Akira Kurosawa es quizás el director japonés más prolífico e influyente de Japón, no sólo por sus películas épicas o su extensa filmografía, sino por los frecuentes comentarios sociales y filosóficos que nos llevan a cuestionarnos diferentes aspectos de la condición humana, de la naturaleza, la educación, la vida y la muerte.
Pero el nombre precede al internacionalmente famoso director de cine japonés, por lo que sin más, pasaremos a continuación al que para nosotros es el listado (por orden cronológico) de las mejores películas de Akira Kurosawa:
Rashomon (1950)
Rashomon de Akira Kurosawa fue la película que lanzó el nombre del director japonés fuera de su tierra natal.
El nombre de la película hace referencia al “efecto Rashomon”, que se refiere a descripciones contradictorias de los mismos eventos dados por diferentes personas.
Combinando dos historias cortas de Ryunosuke Akutagawa, su guión también rompió el molde de la trama cinematográfica convencional, introduciendo el concepto de narrador poco fiable en sus relatos contradictorios sobre la violación de la esposa de un samurái.
La trama gira en torno a cuatro personajes que dan diferentes relatos de un mismo suceso, llevando al público a cuestionar la naturaleza de la verdad, la motivación, la interpretación y el recuerdo.
Los hechos son desvelados desde el punto de vista de los principales sospechosos y testigos del crimen, incluido un testimonio dado por el propio samurái asesinado a través de un médium.
La magistral cinematografía atmosférica de Kazuo Miyagawa, y el escenario del período Heian de finales del siglo X, se suman al inquietante ambiente purgatorio.
Gracias a Rashomon, el público internacional fue consciente del poder del cine japonés. El largometraje ganó el premio León de Oro de Rashomon en Venecia en 1951 y un Oscar honorífico en 1952.
Ikiru (1952)
El personaje principal de Ikiru (que significa «vivir»), interpretado por el veterano habitual de Kurosawa, Takashi Shimura, es un burócrata enfermo terminal que intenta encontrar un sentido y un propósito a la vida antes de morir mediante la construcción de un parque infantil en un barrio de chabolas lleno de enfermedades.
Takashi destaca en este papel como un hombre que sólo encuentra sentido a su vida cuando la muerte asoma, mientras sus suegros se pelean por su pensión.
Inspirada en La muerte de Iván Ilyich de Tolstoi, Ikiru es una de las películas más emotivas de Kurosawa, que lleva al público a contemplar la vida y el legado de una manera muy sutil y conmovedora. Una hermosa reconciliación de la vida y la muerte.
Kurosawa lleva a cabo una exploración conmovedora de lo que significa estar vivo, y mientras hablaba de los orígenes de la película, el director japonés explicaba: «A veces pienso en mi muerte. Pienso en dejar de ser… y es de estos pensamientos de donde vino Ikiru.»
Los Siete Samuráis (1954)
Los siete samuráis, para muchos la película más famosa de Akira Kurosawa, se encuentra ambientada en el Japón del siglo XVI.
La obra épica de Kurosawa es un viaje de tres horas al mundo de los samuráis. Un conflicto entre el conservador y rígido código de honor de los mejores guerreros del Japón medieval y la anarquía de los bandidos, carentes de toda moral.
Concretamente, la historia trata sobre un pueblo y sus habitantes que está siendo atacado por un grupo de bandidos. Los campesinos de bajos recursos deciden contratar a siete samuráis errantes para derrotar a los matones antes de que puedan robar sus cosechas.
Los siete samuráis es la primera película de samuráis de Kurosawa y es una película de acción por excelencia. El largometraje ejerció una enorme influencia tanto en el cine japonés como en Hollywood, sobre todo en el remake occidental de 1960, Los Siete Magníficos, del director John Sturges.
La producción japonesa fue además la más cara de su época, e introdujo los principales sellos asociados al nombre de Kurosawa: un épico tiempo de rodaje, el reclutamiento fuerzas mercenarias, fortificaciones, rodaje en exteriores con un fuerte enfoque en los paisajes y las condiciones ambientales, trajes y armamento de la época; y montones de impresionantes secuencias de batalla a caballo.
«A menudo se hace hincapié en el hecho de que utilizo más de una cámara para rodar una escena», escribió Kurosawa. «Esto comenzó cuando estaba rodando Siete Samuráis, porque era imposible predecir exactamente lo que sucedería en la escena en la que los bandidos atacan la aldea de los campesinos en una fuerte tormenta. Si lo hubiera filmado con el método tradicional de toma por toma, no había garantía de que cualquier acción pudiera repetirse exactamente de la misma manera dos veces. Así que usé tres cámaras rodando simultáneamente.”
Trono de Sangre (1957)
Hasta el día de hoy, Trono de Sangre se cuenta entre las mejores adaptaciones cinematográficas de la famosa obra de Shakespeare Macbeth. Kurosawa toma la narrativa de Macbeth y la reencuadra en el contexto del Japón en el siglo XVI, creando una mitología propia y una interfaz entre diferentes líneas de tiempo.
Su título se traduce literalmente como «Castillo de las Telarañas», y el escenario gótico de un castillo desierto lleno de oscuras sombras y envuelto en niebla forma el marco perfecto para el torturado giro de Toshiro Mifune como Washizu, el usurpador samurai perseguido por crímenes del pasado.
Trono de Sangre incorpora numerosos elementos del teatro Noh japonés, que data del siglo XIV. Esta mezcla de tradiciones orientales y occidentales resultan en una experiencia emocionante para el espectador.
«En primer lugar, construimos un escenario abierto en la base del Fuji con un castillo plano en lugar de uno real tridimensional», recuerda Kurosawa. «Cuando estuvo listo, simplemente no se veía bien. Por un lado, las tejas del techo eran demasiado finas y esto no serviría. Insistí y resistí, diciendo que no podía trabajar con tales limitaciones, que quería tener la sensación de la cosa real desde donde eligiera disparar».
La Fortaleza Escondida (1958)
Esta película de acción y aventura fue una gran fuente de inspiración para las películas originales de Star Wars.
La historia está protagonizada por dos humorísticos campesinos que se ven envueltos en un gran conflicto entre una princesa y sus rivales, lo que hace pensar en cómo R2-D2 y C-3PO se vieron envueltos sin querer en una batalla épica entre el bien y el mal.
Para el papel de la princesa en La Fortaleza Escondida, Kurosawa hizo un llamamiento a nivel nacional para encontrar una mujer «con una dignidad fresca y de princesa» que tuviera «la intensidad de la hija de un samurái».
¿El resultado?
Misa Uehara, quien tenía 20 años en ese momento y no contaba con experiencia previa, pero hizo una memorable actuación como la resistente princesa.
Una similitud estética entre las dos películas, es la forma en que Kurosawa pasa de un plano a otro usando una toallita, algo que George Lucas emularía poco menos de dos décadas después.
Yojimbo (1961)
Inspirado en parte por Shane (1952) de George Stevens, Yojimbo («El guardaespaldas») es la combinación «samurai/western» por excelencia de Kurosawa. Esta sinergia intercultural es evidenciada desde el inicio en la banda sonora.
El ya mencionado Toshiro Mifune protagoniza como un ronin sin nombre que deambula por un pueblo desolado e invadido por grotescas bandas criminales rivales en esta película de 1961.
La duración relativamente modesta, de 110 minutos, hace de Yojimbo (y de su más corta película de 1962, Sanjuro) un punto de entrada más accesible a la obra de Kurosawa que sus más grandiosas sagas de batallas épicas y samuráis.
Con el creciente problema de los estudios japoneses cada vez más incapaces de acomodar los costes de los largos periodos de rodaje, grandes decorados y secuencias de acción necesarias para sus producciones, Kurosawa dejó el estudio Toho después de Barbarroja (1965).
«Estaba tan harto del mundo de la Yakuza», reveló Kurosawa. «Así que para atacar su maldad e irracionalidad, y desordenarlos completamente, traje al super-samurai interpretado por Mifune. Él mismo era un forastero, una especie de forajido, lo que le permitía actuar con flexibilidad, aunque a veces de forma imprudente.»
High and Low (1963)
Una adaptación de King’s Ransom, de Ed McBain, se trata de un tenso drama policial que se centra en el secuestro del hijo de un exitoso empresario, todo ello dentro del contexto más amplio de una sociedad que se estaba volviendo rápidamente más próspera y que veía una brecha de riqueza cada vez más pronunciada.
Kurosawa utiliza los puntos fuertes del género para crear un atractivo thriller, pero también se permite dar un poderoso comentario social para hacer de la película una pieza artística más reflexiva.
El clásico Toshiro Mifune hace una inolvidable interpretación de Kingo Gondo, un rico industrial cuya familia está en el punto de mira de un secuestrador.
La película deja al descubierto los sórdidos entresijos del Tokio de la posguerra, revelando las ansiedades y los impulsos de la sociedad.
Kurosawa muestra su maestría técnica, logrando crear una película de gran originalidad y poder artístico. High and Low se encuentra entre las mejores películas de Kurosawa gracias a la constante tensión, la intriga corporativa y el impredecible desarrollo de la trama.
Dersu Uzala (1975)
El fracaso financiero y crítico de Dodes’ka-den (1970) amenazó con poner fin a la carrera de Akira Kurosawa.
Afortunadamente, el director nipón se puso firmemente de vuelta en el mapa internacional al recibir una invitación del Mosfilm de la Unión Soviética para dirigir esta adaptación en 70 mm ambientada en Siberia y basada en la autobiografía del explorador Capitán Vladimir Arsenyev de 1923.
Dersu Uzala sigue el encuentro de Arsenyev con un anciano explorador de la tribu nómada Nanai (un personaje que inspiró a Yoda en la serie Star Wars). Kurosawa oscila de manera fascinante entre lo épico y lo íntimo.
«En Japón, la industria ha comenzado a imitar la televisión, produciendo películas que son como películas para televisión», dijo el aclamado director.
«Pocas personas son tan excéntricas como para disfrutar pagando un alto precio de entrada para ir a ver una película de televisión en un cine. He vuelto a divagar, pero es difícil para un director de cine que es como un salmón. Cuando el río en el que nació y se crió se contamina, no puede volver a subir río arriba para poner sus huevos, tiene problemas para hacer sus películas.”
«Termina quejándose. Uno de esos salmones, al no ver otra manera, hizo un largo viaje para escalar un río soviético y dar a luz un poco de caviar. Así es como nació mi película de 1975, Dersu Uzala. Tampoco creo que esto sea algo tan malo. Pero lo más natural para un salmón japonés es poner sus huevos en un río japonés».
Ran (1985)
Basada en el Rey Lear de Shakespeare, Ran fue la película más compleja y cara en la carrera de Akira Kurosawa. Al igual que en Trono de Sangre, traslada magistralmente a Shakespeare al Japón medieval.
Esto es aún más impresionante si se tiene en cuenta que Kurosawa tenía 75 años durante la realización de la película.
Kurosawa presenta una convincente investigación sobre las relaciones de poder, describiendo la violencia como una fuerza recurrente a lo largo de la historia de la humanidad y una fuerza de la que nunca podemos escapar.
El personaje central de la ópera magna es un anciano señor feudal testigo de la destrucción de su familia, devastada por las mareas cambiantes que producen la codicia.
Kurosawa dijo, «algunas de las escenas esenciales de esta película se basan en mi pregunta de cómo Dios y Buda, si realmente existen, perciben esta vida humana, esta humanidad atrapada en los mismos patrones de comportamiento absurdo.»
Añadió, «Tenemos que exorcizar el mal esencial de la naturaleza humana, en lugar de presentar soluciones concretas a los problemas, o describir directamente los problemas sociales. Por lo tanto, mis películas podrían haberse vuelto más filosóficas.»
A pesar de su edad, la producción refleja una frescura y vitalidad como nada que Kurosawa haya hecho antes, ofreciendo un festín para los ojos. Merecidamente, el diseñador de vestuario ganó un Oscar.
Los sueños (1990)
Desde que oyó hablar del diario de los sueños del famoso escritor ruso Fyodor Dostoyevsky, mantuvo para sí mismo un diario de este tipo en el que escribía regularmente.
En el mismo, describe una serie de sueños recurrentes que tuvo a lo largo de los años, sobre sus temores por su país natal, Japón, así como por su propia juventud e infancia.
Aunque no pudo encontrar a ninguno de los estudios japoneses dispuestos a financiar su película, finalmente pudo contar con la ayuda del director estadounidense Steven Spielberg, quien ayudó a convencer a Warner Brothers para que la produjera.
El resultado fue la película Los Sueños, quizás la más personal de akira kurosawa.
La película se divide en ocho sueños que giran en torno a un chico, el difunto hombre llamado «yo». Muchos de los sueños tratan de la pérdida de la inocencia, no sólo del «yo», sino también de Japón como escenario de la película.
Hay muchos temas dentro de los sueños que los conectan, aparte del hecho de que tienen el mismo protagonista.
Madadayo (1993)
Desprovisto de las elaboradas secuencias de acción y de los intensos dramas internos por los que Akira Kurosawa es conocido, y con una caprichosa sección media que implica a un gato desaparecido y que dura casi media hora, Madadayo o Aún No es la última película en la prolífica filmografía del influyente director.
La historia es un retrato del académico y autor Hyakken Uchida (1889-1971), que se desarrolla a lo largo de las décadas posteriores al retiro de Uchida, justo antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial.
Durante gran parte de su carrera se dedica a la alegría que acompaña a las alborotadas fiestas anuales de bebida que celebran cada año para conmemorar su cumpleaños junto a los antiguos alumnos que lo veneran.
Una película que alude a una leyenda sobre un anciano que se niega a renunciar a su vida, y cuya secuencia final es la más adecuada para la asombrosa carrera de este legendario cineasta.
Créditos de las imágenes: 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10, 11, 12.
